Trailer de “Låt den rätte komma in”

Os dejo con el trailer de “Låt den rätte komma in” (Let the right one in), la adaptación al cine de la excelente novela sueca de vampiros “Déjame entrar” del autor John Ajvide Lindqvist.

El film va sobre Oskar (Kåre Hedebrant), un niño solitario y triste que vive en los suburbios de Estocolmo, tiene una curiosa afición: le gusta coleccionar recortes de prensa sobre asesinatos violentos. No tiene amigos y sus compañeros de clase se mofan de él y le maltratan. Una noche conoce a Eli (Lina Leandersson), su nueva vecina, una misteriosa niña que nunca tiene frío, despide un olor extraño y suele ir acompañada de un hombre de aspecto siniestro. Oskar se siente fascinado por Eli y se hacen inseparables. Al mismo tiempo, una serie de crímenes y sucesos extraños hace sospechar a la policía local de la presencia de un asesino en serie. Nada más lejos de la realidad.

La dirección corre a cargo de Tomas Alfredson, el guión (como debe de ser) lo escribe el propio Lindqvist y está interpretada por Kåre Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar, Henrik Dahl y Karin Bergquist.

Esperemos que la cinta esté a la altura de la novela. Acaba de ganar el premio a mejor film en el festival de Tribeca. Disfrutad del trailer internacional.

Algunas que rondan por mi mp3

Estos días, entre tanto arroz, también tengo algo de tiempo para la musiquilla.

Aquí os dejo algunos links a algunas de mi top ahora mismo, 4 temazos que siguen sonando super bien y que podremos escuchar en directo en el mejor festival de este país: el Primavera sound.

Explosions in the sky - Your Hand in Mine
The Notwist - Pick up the phone
The Swell Season - Falling Slowly
Midnight Juggernauts - Road To Recovery

“Xiao Wu” (Jia Zhang-Ke, 1997)

Jia Zhang-Ke, tras haber fundado dos años antes la sociedad de cine independiente más importante de su país: Youth Experimental Film Group, rueda el film insignia de la sexta generación, su ópera prima: “Xiao Wu” (1997). Rodada en 16mm, con actores no profesionales y con una realización cercana al documental, sería como la Tierra amarilla[1] de la nueva Generación.

Una cinta autobiográfica en dos sentidos, por un lado en el sentido más literal, llena de recuerdos, lugares, vivencias y experiencias del propio cineasta vertidas en la cinta (recordemos su turbio pasado en su adolescencia) y por otro lado como cineasta, como si fuera un Xiao Wu (metáfora del cine clandestino) frente a ese mundo capitalista que no comprende y no alcanza (metáfora de la cinematografía oficial y opulenta).

“Xiao Wu” narra las desventuras de un carterista homónimo de Fenyang que no encuentra su lugar en el mundo, inadaptado a unas mutaciones que discurren a una velocidad inalcanzable e incomprensible para él y que se arrastra y vagabundea por las calles ahogado en la tristeza y la extrañeza. Un personaje sin futuro, aferrado a sus orígenes[2] y que no parece progresar o adaptarse a las nuevas situaciones como algunos de sus ex-compañeros de negocio.

Jia Zhang-Ke, como Bresson en “Pickpocket” (1959), nos presenta primero sus manos (su arma) para luego presentar su cuerpo. También durante el hurto inicial (todo un guiño a la cinta francesa) parece que estemos viendo a Martin Lasalle cometer uno de esos robos tan característicos y sigilosos. Una cinta de mucha fisicidad y con unos planos secuencia larguísimos en donde parece que sigamos desde atrás al carterista, como si la cámara documentara y recogiera una historia plenamente verídica sin ficción alguna.

Hay numerosos puntos en común entre “Xiao Wu” y “Pickpocket“. A parte de los comentados, ambos personajes parecen encerrados en su mundo, buscan su lugar intentando sobrevivir y ambos acabaran de igual manera: apresados y con relaciones amorosas imposibles. Pero mientras en la cinta de Bresson, el carterista realiza su “trabajo” por creerse superior y querer sentir ese riesgo en la vida a costa de todo, Xiao Wu, es un personaje menos psicológico y más anti-héroe si cabe, mucho menos perfecto y más a la deriva. Sería como un aprendiz de aquel Michel de la cinta francesa.

Xiao Wu es un artesano del robo y cabeza de un grupo de ladrones a los que explota y no aprecia, pero a la vez es un chico solitario, inseguro, enamoradizo y un hijo rebelde dentro de una familia rural. Dependiendo del contexto y del entorno adoptará una de esas identidades distinta. El personaje también representa a toda una generación con una identidad elusiva y espectadores de un cambio incesante.

Como apunta Kevin Lee en su artículo sobre el cineasta chino para la website Senses of Cinema, “Jia asume su identidad de alter ego (Xiao Wu en pantalla) para “robar” estilos cinematográficos de otros realizadores como Bresson, Godard o De Sica“. En la cinta podemos ver referencias a films como “Al final de la escapada” (1960), de Jean-Luc Godard (en su final), “Ladrón de bicicletas” (1948), de Vittorio De Sica, pero sobre todo a “The Boys from Fengkuei“(1983), de Hou Hsiao-Hsien. El film del realizador taiwanés retrata ese espíritu juvenil, evoca esos sentimientos sencillos y personales y habla sobre su experiencia vital de la misma forma que Zhang-Ke en su film. Podemos decir que la cinta de Hsiao-Hsien inspiró claramente a Zhang-Ke en su ópera prima.

El toque surrealista de la cinta (veremos que en su filmografía casi siempre hay un lugar para el surrealismo o la existencia de escenas que rompen con todo lo anterior) es la escena tomada del film “The killer” (1989), de John Woo, que no vemos pero oímos, usándolo como una comparación entre el antihéroe de la trama (Xiao Wu) y el de los heroic bloodshed, además como homenaje a la mítica cinta y crítica de la influencia televisiva en China. La importancia de la música en el cine de Jia Zhang-Ke ya está presente en “Xiao Wu“, ejemplo de ello es la abundancia de escenas de karaoke (con todas esas canciones pop de tanto éxito en su país). Es uno de los elementos de comunicación entre sus personajes más representativos de su cine.

Como decía anteriormente, Zhang-Ke adopta el papel de alter ego con Xiao Wu, en su manera de rodarle, pero no solo para “robar” estilos cinematográficos como comentaba Kevin Lee, sino también para situarse literalmente como una sombra del personaje, siguiéndole en sus planos secuencia preferentemente desde atrás.

Jia prefiere que sus actores no lean el guión, busca la improvisación, la naturalidad y evita que todo parezca forzado y que los actores parezcan acotados o limitados a un guión preestablecido, de ahí su insistencia en reunir a actores no profesionales (como en su día hizo Bresson).

El famoso final del film es un plano secuencia con ese constante y ligero movimiento de cámara habitual en todo el metraje, describiendo esa tensión entre entorno y personaje y siempre filmado desde el punto de vista del personaje, a su altura (como el resto de la película, exceptuando algunas escenas con su novia, que cambia de punto de vista a ella). No estaba en el guión y debido a la cantidad de curiosos que rodeaban el rodaje, a Jia Zhang-Ke se le ocurrió utilizarlos en la trama, rodando al público, como si de un experimento se tratase.

El espectador convertido en protagonista, el equipo técnico también, formando un conjunto que emanaba un aire de realismo enorme. El observador observado. “Xiao Wu” una obra en los límites entre ficción y realidad.

Posteriormente, Zhang-Ke, se pasaría a los 35mm para rodar una obra mucho más ambiciosa que abarca un período de 10 años titulada “Platform” (2000). Continuaría con el documental “In public” (2001) y con su último film de ficción rodado clandestinamente: “Placeres desconocidos” (2002), ya filmado en digital, como el resto de su filmografía posterior.


[1] “Tierra Amarilla” (1984) de Chen Kaige fue uno de los films más simbólicos e importantes al inicio de la Quinta Generación.

[2] Recordemos la frase que le dice Xiao Wu a Xiao Dong, un ex-ladrón convertido en empresario, tras no invitarle a su boda por temor a que le relacionen con él o le recuerden su pasado: “Echa un vistazo a tu tatuaje, bastardo“.

Nuevas actualizaciones próximamente

Disculpen la poca actualización del blog pero durante estos últimos meses he tenido muy poco tiempo disponible, supongo que pronto podré actualizar esto de forma más regular. Sin más, agradeceros a los que os pasáis por aquí y también a los que dejáis vuestros comentarios.

Prontito, nos leemos

Foto con un hombre lobo

Aquí tienen mi reciente foto con un actor que no hace falta presentar: el gran Paul Naschy, el cual me encontré en el salón del cómic de Barcelona

Vetusta Morla (Sidecar, 17/04/2008)

Tras haberme perdido tristemente (aún teniendo las entradas desde hace meses) los conciertos de hace un par de semanas de “Editors” y de “Shout out louds” por temas de salud, ayer asistí (aún con algo de dolor de cabeza) al primer concierto de este 2008 para un servidor, luego ya vendrán PS’08 -pedazo de cartel- y el Summercase.

Y bueno, el concierto, para el precio que fue (11 euretes) me pareció cojonudo. Los Vetusta no solo se les vio con ganas, sino que además sacaron buena nota musical y vocalmente hablando, sin olvidar lo participativos que fueron con el público (en este aspecto destacables no solo en sus “momentos catalanes” jeje sino sobre todo en el último tema tocado: “Sharabbey Road“, fantástica fusión con el público!), algo que muchos grupos parecen no tener en cuenta ( ¿verdad “Interpol“? xD ).

Es bien sabido su calidad lírica, pero recalquemos también el perfilado estilo musical de los madrileños, un sonido trabajado, producto de años tras una búsqueda de una identidad propia.

Y es que sobre todo, son una banda con carisma y personalidad. El concierto fue dinámico y muy bien llevado, tocando tanto temas cañeros y de calidad como pueden ser “Rey Sol“, “La cuadratura del círculo“, “Valiente”, como esas maravillosas canciones intimistas que tienen como son “Iglús” (una de las grandes del grupo, que llegó a casi enmudecer la sala de la emoción), “Año Nuevo” o “La marea” entre otras.

Sinceramente, merecían una sala diferente al insuficiente Sidecar, en donde metieron a 300 personas donde caben 100 y aquello se convirtió directamente en la cueva de la sauna por excelencia xD, por no hablar de su escenario a ras de pista (ejem). Yo hubiera preferido mejor en sala Bikini o en Apolo, donde se hubiera llenado igual creo.

Aún así, excelente directo y claramente una banda a seguir!

A parte al enlace al tema “Iglús” accesible desde unos párrafos más arriba, os dejo un vídeo del concierto con 2 temazos:

“El malvado Zaroff” (E. Schoedsack & I. Pichel, 1932)

Tras un naufragio en el Pacífico, el famoso cazador Bob Rainsford (Joel McCrea) llega a una pequeña isla dominada por un maniaco de origen ruso llamado Conde Zaroff (encarnado excelentemente por el gran Leslie Banks), enorme aficionado a la caza y poseedor de una especie de mansión gótica llena de secretos, en donde oculta una tenebrosa “sala de trofeos”.

Zaroff pretende llevar su idea de caza hasta los límites más insospechados, convirtiéndose en un asesino que ocupa su tiempo en perseguir y acechar a sus invitados como si de una batida de caza se tratase.
La siguiente víctima será el propio Rainsford, acompañado de la bella Eve Trowbridge (Fay Wray), proponiéndoles un macabro juego de supervivencia.

A diferencia de muchas cintas de terror que buscan lo puramente sobrenatural o fantástico, aquí el terror es ante todo humano, mucho más cercano, un terror hacia nosotros mismos y sobre los limites del fanatismo perverso. En ese aspecto, se presenta como una cinta mucho más retorcida en comparación con algunas que ofrecían en aquella época. El film deja constancia que el ser humano es el único ser del planeta capaz de matar por el simple hecho de hacerlo, y lo que es peor, que puede llegar a disfrutar por ello y sentir placer. Zaroff se nos presenta como una especie de conde Drácula, pero mucho más malvado y más real, y sin las ansias experimentales de otro personaje desquiciciado de mundo del fantástico como es el Dr. Moreau.

Sobre todo, el film apuesta por reflejar un modelo de personaje elegante, educado y culto (al estilo del conde Drácula) pero -aunque la cinta posee evidentes connotaciones fantásticas-, éste para ser despojado de todo carácter irreal, alejándose un poco de la ciencia-ficción de la época, apostando por alguien mucho más cercano a nosotros y mucho más identificativo (lo que equivale a más terrorífico), es decir, no tan exageradamente irreal o extremadamente fantasioso.

La cinta efleja claramente que a quien debemos temer realmente es a nuestra propia especie. Algo que en los 80 volvería a dejar más que claro Ruggero Deodato con su “Holocausto caníbal“, o en la reciente cinta de David Fincher: “Zodiac“, en donde -a parte de citar a esta cinta en cuestión-, se subraya más el hecho de la fascinación de un maníaco por asesinar y el placer que ello le provoca, además de ser una radiografía sobre la descomposición de los cazadores (periodistas y policias) presos de la obsesión por la investigación.

Zaroff es tan sumamente elegante que hasta sus armas lo son, nunca se le verá cazando con un hacha o un machete, prefiere usar o bien su precisa escopeta de caza o su estilizado arco, convirtiendo su caza en algo mucho más refinado que arcaico o animal.

“El malvado Zaroff” constituye una de esas injustícias claras en el mundo del cine por haber caído tristemente en el olvido de muchos espectadores, cuando es una obra de género de terror-aventuras magistral, arriesgada y redonda. Mientras el cine de terror actual (en general, salvo algunas excepciones) se dedica más a buscar el efectismo barato (1), el trabajo con la atmósfera y con la creación del personaje del conde es ciertamente remarcable. La atmósfera es un personaje más de la trama, con esas brumas en los pantanos, con esos pasillos de la mansión tenebrosos y llenos de oscuridad o con esos rostros perfectamente iluminados (sobre todo el trabajo de iluminación con el rostro del conde).

Schoedsack (el cual repetiría como codirector en esa otra obra maestra llamada “King Kong” junto a decorados y a Fay Wray) y Pichel consiguen jugar con la profundidad de campo de forma antológica, sin olvidarnos del gran trabajo con los escenarios naturales, los elaborados travellings, el uso tan inteligente de la cámara subjetiva en un momento de la trepidante persecución final, un gran trabajo a nivel de narrativa (se va al grano de una forma tremendamente eficaz sin eludir un argumento tan interesante como profundo, por muy simple que a priori parezca), un uso de la música fantástico o unos primeros planos que van desde lo inquietante hasta lo meramente terrorífico, todo ello arropado por una luz totalmente expresionista. A recalcar el magnífico plano final, con un trabajo de encuadre y profundidad de campo brutal.

Schoedsack, junto a Merian C. Cooper, explotarían el tema de la caza en su siguiente film: “King King“, en donde Fay Wray -encarnando a la bella e inmortal Ann Darrow-, volverá a ser cazada pero en esta ocasión por un animal, el cual es maltratado, manipulado y finalmente asesinado por el ser más miserable de este planeta: el hombre, el verdadero animal a temer.

La conseguidísima atmósfera de “El malvado Zaroff“, su corta pero justa duración (apenas hora y poco), su estructura narrativa unida al trepidante ritmo y a la magnífica partitura de Max Steiner la convierten en un clásico a rescatar del terrible olvido. No solo es un film al que no le pasa factura el tiempo sino que encima gana con cada revisionado. Maravillosa. Una obra maestra.



(1) Como por ejemplo, la saga “Saw” que pretende vender como nuevo una idea manida y de tintes algo similares a la de Zaroff por el hecho de que él también propone un juego de supervivencia y da una oportunidad de salvación a su presa. Pero recalcar que en esta cinta todo es siempre desde el buen gusto por el buen terror y las aventuras, no via las chapuzas de la insufrible saga del sr Jigsaw.

Vetusta Morla

No creo que sea demasiado grave decir que la música nacional independiente está totalmente en un estado de crescendo, no dejo de encontrarme con grupos de un altísimo nivel contrarrestando su nula publicidad en los medios mayoritarios. Si en su día, la grata sorpresa me la lleve con conjuntos de la calidad y la fuerza de Catpeople, Sidonie, Mendetz, Deluxe, Delorean, Poet in process o Love of lesbian, ahora le toca el turno a Vetusta Morla (en este caso gracias a la recomendación del amigo Willy), un grupo cuyo álbum debut me parece de lo mejorcito de la temporada, lo que ayuda a que a uno le parezca muy apetecible acercarse a Sidecar a verlos en directo próximamente.

‘Un día en el mundo’, disco debut de la banda, asimila cuidados textos en castellano a los esquemas de la música popular anglosajona. Nueve años en los que han construido una identidad sónica usando la instrumentación de un combo clásico de rock, pero huyendo del lenguaje convencional del género. Vetusta Morla es una banda que se ha forjado sobre el escenario y sobre un trabajo previo para consumar un álbum completo. En este disco han tratado de recrear ese hechizo mágico, esa fuerza emocional estremecedora del directo, con un sonido premeditadamente natural, sin apenas trucos de producción, sin fuegos de artificio ni tramos pastelosos.

Un disco cojonudo amigos, recomendado queda. Ahora solo falta verles en el directo a mediados de Abril en la sala Sidecar. Ganas no faltan.

Os dejo los links a dos temas:

Vetusta Morla - La Cuadratura del Círculo

Vetusta Morla - Copenhague

La edición limitada ya es mía!!

Recoge los dos días de concierto en el Wembley Stadium. Mientras que en el DVD vas a encontrar lo que sucedió el Domingo 17 de Junio, en el CD esta grabado lo acontecido el Sábado 16. Ambos conciertos recogen sus grandes canciones, tanto las más recientes como las más clásicas. La edición especial y limitada de ‘Haarp’ incluye en el DVD 6 temas extras, así como un documental con escenas de backstage de Muse, además de un serie de postales del grupo.

Contenido del disco .: Haarp + DVD (Edición limitada) / Muse :

Contenido del DVD:

1.- Intro
2.- Knights Of Cydonia
3.- Hysteria
4.- Supermassive Black Hole
5.- Map Of The Problematique
6.- Butterflies And Hurricanes
7.- Hoodoo
8.- Apocalypse
9.- Feeling Good
10.- Invincible
11.- Starlight
12.- Improv
13.- Time Is Running Out
14.- New Born
15.- Soldiers Poem
16.- Unintended
17.- Blackout
18.- Plug In Baby
19.- Stockholm Syndrome
20.- Take A Bow

Contenido del CD:

1.- Intro
2.- Knights Of Cydonia
3.- Hysteria
4.- Supermassive Black Hole
5.- Map Of The Problematique
6.- Butterflies And Hurricanes
7.- Invincible
8.- Starlight
9.- Time Is Running Out
10.- New Born
11.- Unintended
12.- Microcuts
13.- Stockholm Syndrome
14.- Take A Bow

Pronto mis impresiones sobre la edición. Si como mínimo es la mitad de bueno que lo fue en su espectacular directo en Badalona ya me doy más que satisfecho!!

“Un corazón invencible” (Michael Winterbottom, 2007)

Para el que escribe este texto, Winterbottom siempre ha sido sinónimo de riesgo cinematográfico, calidad y ritmo. Suyas son algunas de las mejores cintas de los últimos años (”24 hour party people” entre otras) , las cuales uno considera todo un ejemplo de virtuosismo cinematográfico. Pero a parte de ser un cineasta puramente experimental, cabe destacar también, que muchas de sus obras no están exentas de un compromiso social tan necesario como interesante.

A diferencia de las excelentes e interconectadas temáticamente “In this world” y “Camino a Guantánamo“, “Un corazón invencible“, la cual podría considerarse como el cierre a esta pseudotrilogía sobre Oriente Medio, no prosigue la senda e intenciones de las anteriores, erigiéndose como un film interesante pero a la postre ciertamente fallido.

Mientras en las primeras cintas, el carácter documental se fusionaba con la ficción de forma totalmente invisible y acertada, con actores no profesionales y con un tono realmente duro y sin concesiones, en el film que comentamos, no es así. “Un corazón invencible” posee momentos bien rodados y con cierto ritmo, sobre todo los filmados en vídeo digital y por como se mueve entre secuencias paralelas en los inicios del film, recordando al mejor Winterbottom, sin embargo, lo que prometía como algo muy interesante y no demasiado estereotipado, vemos como se va transformando en un film falto de carácter y en definitiva de trazos muy comerciales. El resultado final es a todas luces insatisfactorio y sin lugar a dudas, estamos ante la cinta más comercial de la filmografía del cineasta.

Winterbottom parece haberse subido a esa estúpida moda (muy del gusto de Iñarritu y compañía) de transformar (contra peor vestido y peinado vaya mejor) a un actor/actriz famoso y pretender que nos creamos su farsa de personaje. Y ese es uno de los grandes errores de la cinta, el hecho de haber incluido en el casting a perlas como Angelina Jolie o Will Patton, lo cual despoja totalmente de algún tipo de credibilidad a la cinta.

Pues la película por momentos (sobre todo en la parte final) parece pensada solo por y para lucimiento de la mujer de Brad Pitt y eso es impropio de alguien como Winterbottom.

Reconozco que Angelina no es santo de mi devoción y siempre me ha parecido una floja actriz, pero no está de más comentar que en ésta no está tan mal como en sus anteriores obras, cosa de agradecer. En cuanto a Will Patton, la otra cara visible y más famosa de la cinta, ¿quién iba a decir que cambiaría a Bruckheimer por el sr Winterbottom?, madre mia!.

Dejando de lado las actuaciones, que serían mucho más autenticas si fueran de gente no profesional, aunque solo fuera por motivos de autenticidad y como apoyo al estilo documental que pretende vendernos; el montaje de la cinta, como en la mayoría de films del inglés, es realmente acertado usando técnicas que van desde las acciones paralelas, las escenas fragmentadas o un uso de flashbacks bastante interesante.

Si mientras en “Camino a Guantánamo” o “In this world” mostraba la injusticia americana ya sea vía las cárceles de carácter dudoso en Guantánamo, con tratos de lo más vejatorio e intolerables a los presos, o bien vía la odisea de dos jóvenes refugiados afganos al intentar escapar de su país durante los primeros bombardeos americano, en “Un corazón invencible” es la cara contraria, es la de la injusticia del terrorismo radical con los extranjeros.

En contraposición, me parece una especie de trilogía no oficial realmente interesante. A pesar de que el film se quede en fallido, cabe recalcar que una película de estas características en manos de otro director, podría haber sido una autentica porquería, literalmente hablando, y más sabiendo que es una historia sobre un secuestro basada en hechos reales. En ese aspecto, Winterbottom ha dirigido una cinta que contiene intensidad dramática y trepidante ritmo narrativo, pero que su marcado tono realista queda plenamente empañado por su erróneo casting y un final de lo más comercial.

Porque a pesar de las múltiples escenas de archivo, la cantidad de secundarios, escenas bien resueltas y momentos de tensión dramática, cuando volvemos a encontrarnos a esos personajes prototipo, pasamos de lo que podría ser un docudrama realista y portentoso a una realidad fingida con personajes de cartón-piedra en unas excesivamente prolongadas secuencias. De ahí, que la califiquemos como fallida.