Ha regresado la mejor serie de la television. Un prodigio de suspense, con personajes tremendamente interesantes y bien construídos, junto a un montaje de vértigo y una concepción de los guiones, simplemente ejemplar.
Tras unas extraordinarias 3 temporadas, expectantes estamos. Aunque esta 4a temporada tenga muy pocos episodios (debido a la huelga de guionistas), pinta (como siempre) cojonuda!.
La curiosa adaptación del clásico de Daniel Defoe que realizó Byron Haskin a mediados de la década de los 60 titulada “Robinson Crusoe on Mars“, es sin lugar a dudas, uno de esos clásicos de la ciencia-ficción tan simpáticos como olvidados.
Lejos de la vulgaridad y poca gracia de la amplia mayoría de productos actuales de dicho género, el film de Haskin posee una fotografía y un diseño de producción ciertamente remarcable, unos efectos especiales un tanto desfasados pero entrañables y sospechosamente parecidos a los de otro film anterior suyo: “La guerra de los mundos” (1953) y aunque cuente con unas actuaciones irregulares en general, rebosa entretenimiento por los cuatro costados, consolidándose como una obra ideal para convertirse en joyita de culto para los frikis. Recalcar que la cinta podría haber caído fácilmente en el ridículo viendo el argumento inicial, pero no es así.
Cabe decir que pocas novelas se han adaptado tantas veces y con resultados tan poco satisfactorios como “Robinson Crusoe” de Defoe. De las realizadas solo sobresalen algunas de la época muda y sobre todo la cinta homónima de Buñuel (sin duda, la mejor adaptación realizada hasta la fecha, con alguna que otra aportación surrealista / onírica muy identificativa del estilo del español) y esta curiosa cinta de Haskin. Para los amigos frikis también tienen “Miss Robinson Crusoe” o “Las eróticas aventuras de Robinson Crusoe” (una cinta lejos del cachondismo de Russ Meyer), dos ejemplos de la desvirtualización a la que llegaron algunas de las adaptaciones del clásico original. De la versión telefilmesca protagonizada por Brosnan, me reservo mis incendiarias impresiones.
La cinta de Haskin nos cuenta como una misión a Marte para evitar colisionar con un meteorito, sus tripulantes se ven obligados a eyectarse hacia el planeta pues su nave está siendo atraída por la órbita del planeta. El comandante Draper (Paul Mantee) sobrevive al impacto pero no su compañero. Solo y con escasos recursos, Draper se enfrenta a la posibilidad de perecer en las próximas horas. Pero con una lenta adaptación a la atmósfera de Marte, el descubrimiento de agua y vegetales, la supervivencia de Draper parece segura. Explorando la superficie marciana descubre a naves alienígenas rondando por la zona - las cuales traen a esclavos humanoides a excavar minerales al planeta -. Precisamente uno de los esclavos es rescatado por Draper y comienzan a ser perseguidos por las naves marcianas. Ya con compañía, el astronauta se encargará de educar al esclavo (el Viernes de esta epopeya), y ambos lucharán juntos por sobrevivir ante la hostilidad del clima del planeta y el asedio por parte de las naves extraterrestres.
La forma que tiene Haskin de trasladar el concepto de naúfrago al de astronauta que debe aprender a sobrevivir en un planeta desconocido, no solo está conseguido sino llevado al extremo, aumentando todo lo que la novela ofrecía, pues las condiciones que el protagonista se encuentra son mucho más precarias y peligrosas que su hermano barbudo isleño. Sería como elevar al cubo dicho concepto.
Si Buñuel optaba por aportar su granito de arena en su adaptación mexicana, añadiendo una pizca de surrealismo y variando alguna cosilla (recuerden que el aragonés le apasionaba el personaje y su soledad, que no la novela), aquí Haskin opta por tomarse unas licencias que a priori podrían resultar cuestionables e incluso inverosímiles en según que ámbitos, pero con resultados notables y perdonables viendo las pocas pretensiones y la humildad del film.
Aunque hay detalles que son puramente sci-fi, existe también una intención de narrar algo con realismo, dentro de lo que cabe y de la ficción que supone, como por ejemplo escenas como la construcción de un despertador mediante un reloj de arena, cuando consigue encontrar las algas, la elaboración de un vestido mediante vegetales o las visiones del protagonista producto de su soledad prolongada. La licencia tomada más significativa es Viernes, que aquí nos encontramos a un esclavo humanoide encargado de realizar trabajos de minería.
Pero no todo es oro lo que reluce, pues aunque se trate de un film más que estimable, los FX son un tanto cutrillos y totalmente anticuados (aunque con cierto encanto y en algunos casos muy conseguidos), la cinta se salva en algunos detalles porque no se le puede pedir mucho vista su entidad, y las actuaciones son irregulares y dispares, si bien Paul Mantee está correcto, pero Victor Lundin como Viernes, está cuanto menos que espantoso, con una sosería similar a la de Tom Welling en la pedorra serie teen del hombre de acero.
El film es todo un exponente de la buena sci-fi de antaño, para nada resulta tremendista, patriótica ni triunfalista, es más, es ante todo un relato sobre supervivencia y la superación diaria. Sus mayores virtudes radican en una falta de pretensiones evidente, su humildad, la clara añoranza que despierta en los frikis este tipo de cine tan cuco y por ser una interesante y atípica variante del náufrago defoeniano.
Uno, tras visionar el último film de Sean Penn, irremediablemente le viene a la memoria un simpático y, en general, desconocido film de James B. Clark, titulado por estos lares como “El muchacho y su montaña” (1969), basado en la obra de Jean Craighead George (1), la cual trataba de un niño que huye de la vida acomodada que conoce para pasar un verano (y alguna que otra estación más) en las montañas viviendo de lo que la naturaleza le otorgue, acompañado de la literatura del maestro Thoreau y consiguiendo alimento mediante el cuidado de algas y la caza proporcionada por el buen hacer de su halcón peregrino.
“Hacía rutas salvajes” sería la hermana mayor (y seria) de “El muchacho y su montaña“, pues mientras en el film de B. Clark, no había pretenciosidad alguna (aunque fuera todo un poco Disney y edulcorado), en la cinta de Penn, hay un cierto exceso, y no solo de metraje.
Bien podríamos decir que Penn comete el mismo error, aunque no a igual nivel, que su buen amigo mexicano Alejandro González Iñarritu que tanto “queremos” en esta web: la búsqueda de una desorbitada grandilocuencia mediante el uso de su cámara consiguiendo crear una entromisión subrayada e innecesaria con la realidad filmada.
Existe una voluntad clara de entrometerse visualmente a lo contado. Y Penn, para contarnos la historia (y hacerse notar como cineasta) interfiere en el apartado formal con mecanismos de dudoso gusto y efectividad como el abuso de planos aéreos, rotatorios (todo un tópico en este tipo de historias) y de cámara lenta. No obstante, la utilización de pantallas partidas me resulta acertada, no así, las letras en pantalla que afean el conjunto y suponen un mecanismo muy poco sutil para describir que se trata de un diario.
Como ocurría en “Babel” de nuestro “apreciado” Iñarritu, Penn busca postales imposibles, filma el cielo, busca planos rebuscadísimos y en definitiva parece intentar decir: “Ey, mirad que bueno que soy!” o algo así como “Soy indie y me mola serlo“, pero a diferencia de la cinta multilingüe del mexicano, en ésta si que hay un sentido en mostrar los paisajes y su espectacularidad, es decir, que algo menos de culpa si tiene el hombre, puesto que la naturaleza es un personaje más.
Por supuesto, Penn no ha tenido la sutileza que tiene Malick en cómo mostrar la naturaleza.
Otro aspecto negativo -muy de moda hoy en día-, y que comparte por desgracia con las obras de Iñarritu, es el montaje acronológico injustificado, pues la novela es totalmente lineal.
Como adaptación de la novela homónima de Krakahuer, decir que es bastante aceptable y decente, además de fiel. Aunque, para un servidor, lo más destacable de la cinta sean la notable fotografía de Eric Gautier, habitual primer operador de Olivier Assayas, la excepcional soundtrack de Eddie Vedder de los Pearl Jam y las notables interpretaciones de Emile Hirsch, el cual lleva todo el peso de la película, y Hal Holbrook, con una breve pero memorable aportación.
Aunque “Hacia rutas salvajes” contenga elecciones en lo cinematográfico que no me acaben de convencer, personalmente y por motivos que se escapan a la razón, me encantan las road-movies de personajes solitarios con una superación personal y con retos, y ésta no iba a ser menos. Y es que el film de Penn posee un final de una belleza y un mensaje tan desgarrador como cierto. La vida es imprevisible, toda supervivencia requiere preparación y estudio exhaustivo previo (cosa que el protagonista carecía claramente de ella), pero sobre todo, y lo más importante, es que hay que aceptarse a uno mismo como quien es. Sus ideales eran apasionantes e ilusionantes, pero utópicos. Al menos, tuvo valor para probarlo.
Pero aunque a un servidor le apasionen este tipo de historias y películas, sintiendo cierta debilidad por ellas, no quita lo dicho ya anteriormente, Penn va en busca de una desorbitada grandilocuencia mediante el uso de su cámara consiguiendo crear una entromisión subrayada e innecesaria con la realidad filmada, y eso quita muchos enteros al film, aún así, me sigue pareciendo una más que decente road-movie.
(1) Autor que no solo escribiría la novela que daría pie a “El muchacho y su montaña” titulada “My side of the mountain“, sino también una especie de segunda parte llamada “On the Far Side of the Mountain“, no adaptada para cine.
Llevo ya tiempo dándole a los discos de este dueto canadiense formado por dos guapas gemelas llamado: “Tegan and Sara“, las cuales componen una música entre pop-rock y folk, en definitiva, de carácter indie, pero sobre todo con un estilo ya definido y evolucionado desde su “Under Feet Like Ours“, combinando los singles calmados con otros más rápidos.
Sus álbumes son magníficos, desde aquí un servidor se los recomienda encarecidamente, sobre todo el “So Jealous” y su último “The Con“, que uno últimamente no para de escucharlo.
Les dejo con unos cuantos vídeos para que puedan disfrutar de su sonido:
Nineteen
Back In Your Head
Are you ten years ago
Speak slow
Burn Your Life Down
So Jealous
Tras Brad Renfro, otro actor joven se nos va, tristemente. En este caso, un actor tan emergente como Heath Ledger. Para mí, sus mejores películas son “Monster’s Ball“, “Brokeback mountain” (siendo, con diferencia, su mejor actuación) y muy posiblemente “The dark knight“.
Sin más, descanse en paz, toda una lástima.
Nominadas Mejor PELICULA:
EXPIACION
MICHAEL CLAYTON
NO ES PAIS PARA VIEJOS
POZOS DE AMBICION
JUNO
Madre de dios, ¿qué hace ahí un film tan menor como “Expiación“?. ¿Dónde están películas del calibre de “Zodiac” o “El asesinato de Jesse James..” ?
“No country for old men” es una excelente película (la vi ayer), pero me encantaría que ganase un grande del cine contemporáneo como es Paul Thomas Anderson, director de la muy prometedora “Pozos de ambición“.
¿Es pedir demasiado?.
Próximos conciertos a los que un servidor asistirá:
- The Raveonettes, en la [2] de Apolo
- Editors, en la sala Razzmatazz
- Dragonette, en la sala Razzmatazz
Os dejo con algunos videoclips de dichos grupos, accesibles pulsando sobre las imagenes de sus respectivos discos:
Aquí les dejo el nuevo video de “Cloverfield“: LINK AL VIDEO
Pinta espectacular esta monster movie!!
Si bien es cierto, iba con cierto miedo al cine a ver la última obra del amigo Álex ya que todavía tenía en mente aquel espantoso trailer (con su horrendo montaje), aunque también con cierto grado de esperanza dado el visto bueno de algunas personas de confianza cinéfila que ya la habían podido visionar.
Y aunque tiene algunos detalles que no me convencen, estamos ante un film con un ritmo, una narración y una dirección ciertamente remarcables. Una vez más, De la Iglesia (1) demuestra lo buen artesano que es y creo que no es descabellado afirmar que es uno de los directores con más sentido del ritmo y más ágiles del panorama nacional, además de ser un muy buen narrador en imágenes y ante todo, un tio con personalidad ante la cámara.
Entre las muchas cualidades de “Los crímenes de Oxford“, destaca el hecho de ser una cinta tremendamente humilde, para nada pretenciosa y propone (dejando de lado una irregular trama) una relación profesor-alumno ciertamente trabajada e interesante. De la Iglesia ,en este film, se decanta por un discurso clásico, cosa de agradecer, y que dota a las imágenes de cierta elegancia, pero sin dejar de lado su estilo propio, siendo capaz de dejar ciertos (poquitos) toques muy suyos. Álex siempre ha sido fiel a su lado más friki.
El realizador vasco, en su film, rinde un claro homenaje al gran maestro del género (Hitchcock), con temas tan afines a su figura como el falso culpable, la rubia y la morena (femme fatale), la sensualidad, el desamor y como no, el Mc Guffin. Pero además, se marca (entre otros) un plano secuencia en la secuencia del primer asesinato, simplemente memorable, de aquellos de orgasmo garantizado, el Orson Welles español vamos xDD.
Y es que el trabajo del gordo y de los actores está muy por encima de lo que el guión ofrece, sobre todo en su tramo final, en donde se desdibuja todo un poco. Es evidente el interés que posee la trama de la cinta acerca de la búsqueda de la verdad mediante métodos racionales pero resulta un poco inverosímil que un experimentado profesor y un alumno pendiente de su tesis mantengan, en un primer término de las cinta, discusiones aclaratorias (dedicadas a un amplio público) que tendrían que tener más que sabidas dada su condición. Claro está, todo ello resta bastante credibilidad a esa parte de la cinta y sus personajes. Aún así, la cinta mantiene perfectamente la atención del espectador gracias a una notable estructura narrativa. Seamos claros, la novela (y su guión adaptado) es muy mejorable, pero mucho peor era lo que presentó Goldsman a los mandamases de Sony titulado algo así como “El código Da Vinci” xD.
Tanto John Hurt como Elijah Wood están estupendos, pero sobre todo el primero, con una destacable presencia en pantalla. Ellos son medio film. Michael Caine (primera opción de De la Iglesia para el papel del profesor Seldom) también podría haberlo hecho fabuloso, pero desde luego, John Hurt está a la altura de las circunstancias.
Igualmente estupendos están los secundarios como Julie Cox y Leonor Watling. Sobre ésta, decir que De la Iglesia convierte su personaje en un icono sexual difícil de igualar. A pesar de tener un personaje puramente de “chica florero”, la Watling trasmite perfectamente lo que su personaje significa: sexualidad, carnalidad, calidez. Escenas como las de squash o la del delantal, no tienen demasiado peso en la trama global, pero, sin lugar a dudas, suponen todo un disfrute para el espectador masculino o lésbico. Qué portento de mujer! No obstante, no hay química alguna entre Watling y Wood, y eso tristemente se nota. En cuanto al francés Dominique Pinon, tiene un papel importante aunque casi testimonial para el conjunto.
Otras cosas a destacar son la elaborada partitura de Roque Baños deudora del maestro Herrmann, repleta de instrumentos de cuerda. Uno de los compositores españoles que más me gustan, junto con Alberto Iglesias. La fotografía de Kiko de la Rica -del cual me encantó su excelente trabajo en “Lucia y el sexo“-, muy acorde y eficaz.
La película es una muestra más del talento tras las cámaras de Álex de la Iglesia, dominando la puesta en escena como pocos, pero también lo es de la imperfección -a nivel global- que rodean algunas de sus películas, pues no acaban de ser redondas. Quizás le falte una pizca de canallismo a la cinta y quizás también un libreto con un mejor acabado, pero nadie le quita lo bien dirigida y contada que está.
(1) Siempre me ha parecido un realizador capaz de lo mejor y de lo peor. Creador de cintas tan interesantes como “Crimen Ferpecto” (con una parte inicial trepidante y magistral), “La comunidad” (excelentemente rodada y llena de frikismo), “Perdita Durango” (su primer y buen salto internacional) o su corto de lo más cachondo “Mirindas asesinas” (genial Álex Angulo xD), pero también de obras menores como la infumable “800 balas” o de otras menos interesantes de lo que se prediga por ahí: “El día de la bestia” (que no aguanta posteriores visionados, bajo el humilde punto de vista de un servidor).
No cabe duda de que el género de terror es uno de los más castigados en los tiempos que corren. Cada año tenemos la desgracia de tener que aguantar productos de lo más chusquero que beben en exceso de obras superiores, sin poseer interés alguno para el ávido espectador.
Y ese sería el caso de la cinta en cuestión, pues no solo no aporta nada nuevo al género sino que encima en ningún momento el espectador puede llegar a empatizar con los protagonistas, importándole un verdadero pimiento verde lo que les pase o deje de pasar, y eso tiene delito.
Dejando constancia de las pocas luces de un guión lleno de situaciones manidas, la relación entre los protagonistas: Luke Wilson y Kate Beckinsale, está cogida con alfileres y en definitiva muy mal construida. Ya desde esos minutos iniciales que parecen estar ahí para presentarnos su situación personal y amorosa -tópico entre tópicos dentro del (mal) thriller actual- y durante el resto del metraje, tanto el personaje de Luke Wilson como el de Beckinsale son puros estereotipos de los subproductos a los que nos tiene acostumbrados la incansable y de dudosa calidad Screen Gems, filial de Sony Pictures.
A parte de la mala construcción de los personajes, la tensión y los enemigos (que más que inquietar, llegan a hastiar al espectador sediento de algo decente), la dirección del húngaro Antal, deja ciertamente que desear. No solo no hay ni una sola cosa original o digna de mención en su discurso, sino que encima la cinta cuenta con uno de los finales más precipitados, inverosímiles y a la postre cutres que un humilde servidor haya podido sufrir en una sala de cine.
Siguiendo dandole caña a Antal, desde aquí creemos “Habitación sin salida (Vacancy)” podría haber sido una cinta estimable si hubiera tenido un ápice de riesgo y más gore polvoriento (veríamos a ver si Rob Zombie fuera el director!) y parte de culpa la tenemos en la realización del hermano de Puskás. Estamos de acuerdo de que este proyecto era un encargo destinado a taquilla con poco que negociar, pero eso no significa que no se pueda sacar un poquillo de petroleo al asunto. Y es que la cinta comete algunas de las cosas que más odio y no perdono: El abuso de los primeros planos, jugar con el espectador, pretender crear tensión de forma tan vulgar y fácil, la inverosimilitud y la previsibilidad.
No obstante, la cinta se presenta entretenida y amena, pero demasiado previsible y facilona. El enemigo(s) se descubre enseguida, es poco atractivo para los amantes del género y todavía nos preguntamos porque tardan tanto en actuar (bueno, claro, que sino la película duraría 30 minutos). Todo es muy poco realista y pobre pero encima y para colmo no es una cinta simpática. Lo que podría haber sido una cinta interesante alrededor del fenómeno snuff y de las posibilidades que da una habitación de un motel aislado, la solución de escape vía el dialogo entre ellos o mediante la visualización continuada de las cintas en busca de pruebas o métodos y un enemigo hostil acechando los alrededores, finalmente se queda en una cinta muy convencional, más cerca del estilo de films como “Nunca juegues con extraños” (John Dahl, 2001) que de otras más interesantes (que no buenas) como “Tesis” de nuestro Alejandrito.
La fotografía de la cinta a cargo del polaco Sekula nos presenta ambientes lúgubres con una iluminación ciertamente mejorable, nada que ver con el trabajo de otros primeros operadores como Darius Khondji, o Harris Savides, que parecen moverse con mejor soltura y precisión en ambientes sórdidos y oscuros. En cuanto al score de Paul Haslinger, muy típico y poco talentoso.La película debería haberse decantado por el thriller psicológico más que por el juego del gato y el ratón. He ahí su gran fallo, su estereotipado planteamiento, nudo y desenlace, buscando una sorpresa y un susto que nunca llegan pues los mecanismos para lograrlos son puro efectismo barato.
Otra pieza más del género para descartar de nuestra colección de joyitas de suspense-terror. Pero bueno amigos, no os preocupéis, pues siempre nos quedaran las maravillosas cintas clásicas, las de la Hammer u obras contemporáneas de cineastas del calibre de Fincher, Shyamalan o el por algunos infravalorado Rob Zombie. Ojalá la proporción de calidad del cine de género actual fuera al revés: de cada diez films, ocho destacables. Pero todos sabemos que eso, tristemente, es toda una utopía.
Leer mi critica de Habitación sin salida en Muchocine.net
Fanático confeso del cine más friki, raro y transgresor. Sin embargo, también me pone el cine basura pero para poderlo criticar a gusto. Habitual de las sesiones golfas como buen golfo que es uno, en mis años más mozos me diagnosticaron cinefília compul- -siva y no tomo medicación para remediarlo (el Prozac© no da resultados, créanme xD). Dicen que no es mortal, aunque quien sabe...
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